Autor: Patricio Conde Título: Náufragos Fecha: Diciembre 2019 Técnica y soporte: Cómic con dibujo en Rotring y coloreado digitalmente. Impresión digital y formato issuu digital Dimensiones: 15 x 21cm
Descripción:
Náfragos cuenta los problemas cotideanos de una pareja narrados en clave de ciencia ficción. Una historia cargada de contenido simbólico, con poco diálogo, que pone a prueba la empatía del lector.
Propuesta de exposición:
La idea del proyecto era dejarlo en formato fanzine para ser distribuído en tiendas especializadas y librerías. El formato final serían una edición limitada de 100 copias e impresas a dos tintas en risografía.
Investigando un poco con el tema de la distribución me he dado cuenta también lo interesante que llega a ser la distribucción libre en formato digital. Es por eso que también hice un Issuu (formato de revista digital para poder verlo desde cualquier parte y dispositivo). Adjunto la visualización digital a continuación para quien le interese leer la historia,
–Lugar y fecha de nacimiento: España, 14 de marzo, 1996.
–Título de la obra y año de realización: The island guide (2019)
-Técnica y soporte: Fanzine, fotomontaje/collage digital
–Lugar: España
–Género: Fotografía artística
–Dimensiones: 14,9 x 10,6 cm
–Número de páginas: 6
Sobre el proyecto
The Island Guide es un fanzine que guarda en sus páginas una mirada muy íntima y personal de la isla de Mallorca, que se ha convertido en una gran fuente de inspiración a lo largo de estos últimos años, en los que he sustituído el Cantábrico por el Mediterráneo, como lugar de residencia.
El proyecto consta de siete fotografías analógicas, escribiendo con éstas una breve historia, en la que se combina la era analógica y digital, utilizando una pequeña cámara Minolta de 35mm (conseguida en un mercadillo, más barata que el propio carrete) y desarrollando toda la etapa de postproducción digitalmente.
Las siete imágenes se exponen en conjunto, otorgándose significado las unas a las otras. En todas ellas aparecen diferentes lugares y personajes, como la típica abuela alemana, un niño engullendo comida rápida en la playa, una joven haciendo topless…Se trata el turismo desde un punto de vista satírico, sin perder esa paz veraniega, con ropa tendida y una gama de tonos pastel.
Propuesta de exposición
El conjunto se titula The island guide porque pretende funcionar como una pequeña invitación alternativa, mostrando diferentes aspectos del lugar, fuera del foco de atención de las guías de viaje convencionales.
La obra funciona como un objeto físico más allá de su contenido. Desde el punto de vista del giro material, es un elemento que se comparte, se pierde, se estropea..algunos autores le han otorgado el nombre de Moneda visual.
Este trabajo fotográfico está pensado para interactuar con el público, viendo a los personajes de manera familiar, como un vecino, un primo, una abuela…
Se puede compartir por correo postal, uniéndose al movimiento planetario de intercambio y comunicación, el MailArt; pero también de mano a mano, hasta que el material se consuma, o alguien lo conserve como recuerdo, deteniendo su transcurso.
No existe una sala o espacio concreto en el que un cristal o un cordel separen al espectador de la obra, sino que éste se encarga de transportarlo y decidir su rumbo y su valor: unos lo verán como un panfleto ordinario, a otros, en cambio, les puede parecer todo lo contrario.
Mi proyecto consiste en una serie de cianotipias que mostrarán el lado oscuro de una paciente que sufre una enfermedad sin diagnóstico .Las personas con este diagnóstico no son capaces de realizar sus actividades cotidianas. Pese a vivir de día están sumidas a plena OSCURIDAD.
La metodología utilizada se divide en dos partes, la producción artística y otra que corresponde al marco teórico. La metodología funciona como un rizoma, un modelo en el que la organización de los elementos no sigue líneas de subordinación jerárquica —con una base o raíz dando origen a múltiples ramas.
En el marco teórico aparecen las entrevistas con pacientes, noticias y pruebas personales de diferentes personas . Utilizo imágenes interesantes de RM (resonancias magnéticas)y TAC (tomografía axial computerizada) como lenguaje, esta parte estaría vinculada al diagnóstico de la imagen.Podríamos decir que las RM serán la base del proyecto.
Figura 1.TAC. Tórax vista axial
Figura 2. TAC Tórax vista axial
Figura 3. Pruebas personales de diferentes pacientes.
En la parte artística interviene la creación de un negativo para realizar la cianotipia final. Esta cianotipia será del resultado de un montaje de fotos de diferentes pruebas de la paciente mostrando el periodo oscuro que esta atravesando. En este proceso utilizaremos Ps.
( me encuentro en este paso del proyecto)
Figura 4. Paciente
Mi decisión por esta técnica de foto alternativa es por lacomplicidad o necesidad que existe paciente/cianotipia con la luz del sol para conseguir una solución a través del negativo/oscuridad para sentirse realizada/o
La finalidad de estas imágenes es mostrar al espectador la oscuridad en la que la paciente esta sometida en una enfermedad sin diagnóstico. El agobio, la oscuridad y la ansiedad formaran parte del discurso final.
El primer artista escogido es Simon Penny, profesor de StudioArt en la Universidad de California.
Comienza hablando de la pareja ciencia/arte, situándose fuera de los dos grupos, para poder comparar, con perspectiva, las diferencias que existen en el proceso de desarrollo en ambos campos.
Explica cómo, en el primer grupo, la intención es reducir la complexión del mundo en una forma simbólica (un texto, un resultado obtenido de la investigación…). Mientras que en el arte se transforma una complexión material en otra.
La metodología de Penny consiste en observar estas diferencias, planteándose nuevas preguntas que sólo surgirían desde uno de los puntos de vista.
La “adisciplinariedad” de la que habla, en el campo del arte, le permite partir de un modelo, la entrada del camino, que se desarrolla en vertical, como si se tratase de un árbol que va ramificándose, construyendo una red de información triangular cada vez más compleja.
En la entrevista, no hace especial hincapié en el factor “error”, pero sí que podemos asociar el azar de la metodología con dicha adisciplinariedad que habita en la investigación en el campo artístico, de la que surgen nuevos modelos/elementos radicales que se salen del molde, y no sólo desembocan en obras interesantes, si no que también nacen nuevas teorías y aportaciones en diferentes campos culturales. Este proceso parece contrastar con los procedimientos científicos, que normalmente siguen un camino marcado y riguroso.
En segundo lugar, he elegido la entrevista a Laurent Mignonneau, artista que también trata la relación entre arte y ciencia, combinando su conocimiento en ambas ramas para crear una obra interactiva, en la que la naturaleza (plantas) y tecnología se funden como un sistema único.
Mingnonneau sigue una metodología concreta en su proceso artístico, desde el punto de partida, con un deseo o idea, del cual nacen una serie de preguntas. El autor explica que los artistas tienen la capacidad de responder a éstas en forma de obras de arte, y reflexiona sobre el vínculo sentimental que se crean entre sujeto (artista) y objeto (obra).
El camino de Laurent comienza con dicha idea/deseo inicial, que va tomando forma por medio de la investigación y las experiencias pasadas, sobre las que amplía su campo de conocimiento
Podemos hablar aquí de los objetivos específicos que se explicaban el el módulo El camino, considerando éstos pequeños engranajes como aspectos para lograr un objetivo general.
Sin duda su camino se desarrolla de una forma más lineal que el de Simon Penny, pero simbólicamente lo describiría como un puzle, en el que el artista prueba diferentes combinaciones de piezas, hasta encontrar la construcción que encaja con su deseo inicial.
Es curioso el círculo que se crea, ya que el resultado del proyecto de Laurent busca ser el camino de otros: su intención es crear una obra intuitiva en la que el público es partícipe, desarrolla su curiosidad, y comparte con la plataforma de internet sus algoritmos, para que otros puedan aprender y utilizarlos en sus procesos artísticos personales.
Por último, me he decantado por el artista Zeljko Blace, que conecta otros elementos, como el deporte, o el sistema académico universitario, con su trabajo artístico, aportándole una nueva perspectiva a su obra.
El camino del artista comienza de forma similar a los métodos analizados anteriormente, se parte de una búsqueda intensiva de información para poder abarcarlo de la mejor forma posible.
La semilla/idea de Blace es la combinación de las expresiones Queer con el cuestionamiento de la normativa deportiva, intentando implantar un formato educativo en un campo tan influyente en la sociedad como lo es el deporte, que se rige por una serie de normas, de forma similar a los presentes en diferentes ramas de la enseñanza.
El artista habla de la importancia que tiene estar alerta respecto a cambios e intereses que pueden ir apareciendo a lo largo del camino, recolectando y aplicando en las propias creaciones los elementos que resulten de mayor interés. Podríamos atribuir éstos al azar de la metodología, ya que se improvisa durante el proceso para conseguir el mejor resultado posible: su método se va difurcando en función de la dirección más conveniente en un contexto concreto
Habla también de cómo los nuevos avances en la investigación artística se complementan con el conocimiento existente, a diferencia de la ciencia
Los últimos pasos de su camino son la difusión y la evaluación: busca la mejor vía para compartir su mensaje con el público, y explica cómo es bastante complejo evaluar proyectos artísticos, debido a que no existen unas normas/verdades irrefutables.
Realizar el inventario en la PEC anterior, me hizo ver lo importante que es para mí el espacio que me rodea, afectando de forma directa a mi estado anímico.
Siento estímulos por lo visual, lo estético, constantemente, y por dicha razón, me he decantado por una semilla que me permite combinar muchos de estos elementos tan atrayentes para mí.
Consiste en la construcción de un libro, que recoja mi trabajo artístico, y funcione como una especie de guía turística alternativa, un enfoque o punto de vista diferente.
Entre algunos de mis referentes que han llevado a cabo proyectos similares al que tengo en mente, destacan Henrik Purienne, con sus libros de fotografía, como Holiday, o Michael Poliza, con su libro Mallorca, quees el único que he encontrado sobre la isla, fuera de las guías de viaje convencionales.
Aunque existen ejemplos de trabajos similares, mi semilla se rodea de referentes muy diversos que se combinan entre sí, y mediante la relación de éstos, pretendo contar una historia formada por palabras, imágenes y dibujos.
Nos encontramos ante mi constelación, en la que a partir de un punto central, un pequeño dibujo de un libro, surgen una serie de ramas.
Este manual lleva escrito en la carátula Nicieza Studios como una idea de título inicial, que para mí tiene una carga emocional, ya que mi abuelo y mi padre siempre han pintado y han firmado con este apellido, y sin duda ellos han sido dos de mis mayores referentes.
Desde la figura del libro se expande toda la red de elementos, podemos apreciar, sutilmente, todas las palabras que aparecen escritas en la ilustración, conectándose y escondiéndose debajo de los componentes visuales.
Existe un orden natural de las cosas: El cielo se encuentra en la parte superior, con la luna y el sol, la luz, el calor y los colores, que construyen una paleta suave.
Más o menos por la mitad podríamos divisar un horizonte, con casas a ambos lados: a la izquierda trazo un pequeño esbozo de una casa mallorquina, que se contrasta/relaciona con la foto de la casa de la derecha, con una arquitectura clásica de las carreteras desoladas del desierto de California.
Para mí la arquitectura es un elemento muy placentero estéticamente, me fascinan las formas, y la manera en que los elementos de adaptan al medio, y se diseñan en función de este espacio.
Relaciono estos dos estilos arquitectónicos debido a que representan dos capítulos de mi vida, y encuentro semejanza entre ambos debido a la vegetación, los colores…
A diferente escala, podemos ver ropa tendida, y la imagen de una chica tomando el sol, que representan distintos puntos referentes de mi constelación, como el verano, la paz, mi casa, la dulzura en lo femenino, los olores…
Justo al lado podemos leer “fotografía analogica”: una de mis principales vías de creación en este momento, que me ha acercado más a otras décadas, y me ha enseñado a pararme a analizar cuidadosamente antes de disparar. Me parece un proceso mágico, único.
Los libros, guías, revistas, postales…también han sido siempre una gran fuente de inspiración, estudiando la historia a través de la estética y las tipografías empleadas.
Estos puntos se relacionan en la constelación con la poesía, la cultura, la gastronomía…a la vez que se conectan con el mapa de la isla, naranjas y olivas, que considero símbolos del mediterráneo.
La naturaleza es un elemento muy presente en mi semilla, vemos también la conexión entre mar y montaña en la esquina inferior izquierda, y refiriéndose a la gente, separamos entre locales y turistas, sintiendo una gran inspiración por los rincones escondidos que sólo conocen los vecinos, al igual que la siento por las escenas de playas coloridas, rebosantes de bañistas quemados por el sol.
Otros elementos que no he nombrado son el dibujo del cuerpo femenino, de Matisse; me siento muy identificada con los motivos que representa, y se encuentra en sintonía con mi búsqueda por las formas minimalistas.
Y por último el coche, que una vez más representa mi interés por la belleza de otras décadas, especialmente los años 60, y también elementos de los 70 y los 90.
Además, en conjunto con el resto de la composición y el mensaje de la chica, recoge mi interés por el cine, la música…
En conclusión, mi idea es transmitir, por medio de mi constelación, el mismo sentimiento de calidez, de nostalgia, que quiero hacer llegar con el propio proyecto artístico, una vez esté terminado.
I need a very aesthetically pleasing place to function – I have an emotional response to objects, and to people, of course.
Realizando el inventario en la primera PEC encontré una semilla que me pareció valiosa: La idea consiste en construir un «libro/revista» muy visual, que englobe distintos ámbitos: Fotografía, arquitectura, arte, diseño…
Buscando el contexto y referentes que rodean mi semilla realicé una primera lluvia de ideas, muy desordenada, con todo aquello que despierta mi interés.
Una Ágora reúne los trabajos públicos y privados de un grupo de estudiantes de un Aula de la Universitat Oberta de Catalunya.
Aquí los compañeros podrán compartir las actividades del aula entre sí, comentar, presentaral REC y decidir qué contenidos quedan públicospara los compañeros y compañeras del aula, del campus o la red.
Si no ves ningún contenido aparte de esta entrada, puede ser por 3 razones:
Puede que no hayas entrado en el sistema Folio y/o campusy por tanto sólo ves la versión pública del Ágora.
También puede ser que sí que hayas entrado en el campus pero resulta que no perteneces a esta aula y los compañeros no han publicado contenidos con permisos para la comunidad del campus.
Pero a lo mejor, es mucho más simple! Quizás todavía nadie ha publicado nada! Quieres ser el/la primero/a?
Si no perteneces a la comunidad UOC y ves trabajos es porque los y las estudiantes han decidido dejar algunos contenidos visibles para todos.
En cambio, si eres miembro del aula, irás viendo los contenidos que se publiquen. O quizás quieres ser el primero en publicar! Ves a tu Folio y publica contenido con permiso Aula y asociado a una actiUOC del aula.
